NOMASPAPEL, SOBRE CULTURA DIGITAL, VISUAL Y ARTE

lula

noreply@blogger.com (Daniel Gasol) — Fri, 27 Mar 2009 18:08:00 +0000

boxeo

noreply@blogger.com (Daniel Gasol) — Sun, 30 Nov 2008 15:51:00 +0000

y nada mas...

noreply@blogger.com (Daniel Gasol) — Thu, 19 Jun 2008 21:51:00 +0000

disco inferno

noreply@blogger.com (Daniel Gasol) — Wed, 18 Jun 2008 12:42:00 +0000

NO SE PUEDE LUCHAR CONTRA EL MUNDO PERO SI ANALIZARLO

noreply@blogger.com (Daniel Gasol) — Tue, 27 May 2008 19:16:00 +0000

porque es asi

noreply@blogger.com (Daniel Gasol) — Sun, 11 May 2008 12:18:00 +0000

porque sigo siendo aquella señorita prostituta con ganas de soñar

concepciones: lucha interna vs externa

noreply@blogger.com (Daniel Gasol) — Fri, 09 May 2008 17:03:00 +0000

Hoy

noreply@blogger.com (Daniel Gasol) — Thu, 08 May 2008 09:40:00 +0000

Hoy y ahora

noreply@blogger.com (Daniel Gasol) — Thu, 01 May 2008 20:22:00 +0000

¡SOY MUY FELIZ!
¡SOY MUY FELIZ!
¡SOY MUY FELIZ!
¡SOY MUY FELIZ!
¡SOY MUY FELIZ!
¡SOY MUY FELIZ!

I'm a victim of this song

noreply@blogger.com (Daniel Gasol) — Tue, 29 Apr 2008 11:03:00 +0000

trabajos

noreply@blogger.com (Daniel Gasol) — Mon, 28 Apr 2008 12:45:00 +0000

www.danaediaz.com

idea

noreply@blogger.com (Daniel Gasol) — Thu, 24 Apr 2008 11:57:00 +0000

Bob esponja es gay, Batman y Robin son maricas, las tortugas ninjas se cuestionan (sobretodo el de morado...) Twyinky-winky es una loca...lo que aun no sabía es que Heidi y Clara eran bolleras...ahora entiendo que el abuelo las quisiera tener en casa, como todo buen hetero casto y puro que se preste, dos niñas metiendose mano es uno de los ritos sexuales mas exitantes...
Recepción informativa desde los media en los que quedan cuestionados la identidad o las categorías de ellas (¿idea de trabajo?)

Web final

noreply@blogger.com (Daniel Gasol) — Wed, 16 Apr 2008 00:03:00 +0000

www.quieressermiprincipe.com

Lo mas de Arena

noreply@blogger.com (Daniel Gasol) — Mon, 14 Apr 2008 10:45:00 +0000

Sábado noche, quizás la canción hace homenaje a los mas moderno de Freud (atrasadísimo para hoy), o a lo postmoderno de Guash, o a lo mas marica de los 80, a lo andrógino...a lo gay, no sabes lo que es ver un montón como los tuyos y las tuyas cantando esto, un lema en forma de canción hablando de transgredir el género, de revolución romanticámente visceral, de olbidarnos del género, ¡de lo Queer!, seguro que detrás de todo estao esta Buthler...

ENTRE SUPUESTO ARTE Y SUPUESTO VANDALISMO: CATEGORÍAS CONTEMPORÁNEAS DE PRODUCCIÓN.

noreply@blogger.com (Daniel Gasol) — Wed, 09 Apr 2008 11:09:00 +0000

www.quieressermiprincipe.com

La identidad es una idea que en la producción de arte contemporáneo sigue vigente. Existen muchas piezas que hacen referencia a la condición del productor de la pieza como una forma clásica de producto-objeto. Normalmente en esta tipología de piezas el artista habla desde uno mismo como sujeto creador o generador de ideas en forma de artefactos.
Esta idea de “hablar” desde uno mismo y sobretodo desde el terreno del arte, lleva a generar un conjunto de restos que “alguien” (el artista) ha ido dejando por whites cubes. Como una prolongación de una persona.
Existe otro tipo de producción, muy en alza en ciudades como Barcelona, en la que la categoría de producción intenta difuminarse entre producción cultural y arte. O mejor, acaba difuminándose de forma involuntaria por parte del productor, ya que en muchas ocasiones habla desde las esferas artísticas, o porque aun no existe ninguna categoría a designar a dicha “pieza”. Ya sabemos que en el mundo del arte cabe todo…
Por tanto tentemos dos tipologías de producción, la primera que parte del artista, y la segunda que parte desde el productor.
Dentro de la segunda clase de creación podemos también dividirla en diversos puntos, como en el del campo de la experimentación, en el de la forma de encontrar lenguajes vinculados al arte desde aparatos tecnológicos, el de crear situaciones socio políticas que nos cuenten algo “mas profundo” que un míting o el procesual, en el que el proceso es fundamental para crear algo a lo que llamaremos cultura. Sea como sea, la producción vinculada al conocimiento desde la esfera cultural es una forma de decir cosas, de desarrollar conceptos, de hablar de las sociedades desde unas formas mas documentalistas.
Vemos por centros de arte o relacionados con el arte, categorías de obras que están entre el vandalismo, el concepto de crítica, la idea de denunciar desde una esfera pensante, obra maravillosa, pieza cínica, producción fresa o arte contemporáneo. Los llamados artistas o productores de dichas obras parecen posicionarse desde el mirador de arte. Un mirador que son conscientes que existe, que ellos solo deben crear y desarrollar, ya se ocuparán los profesionales del análisis de arte de definirlo: él solo se dedica a crear, muy a menudo, objetos o artefactos en forma de acción. Pero ¿dónde podemos encontrar los límites de todo esto? ¿a quien podemos decirle: ¡muy bien que buena pieza!, o… mira para pintar paredes con frases vete al raval…
Con esto me remito a una de las definiciones de arte mas claras que existen: “Arte es aquello a lo que llamamos arte”. Aunque claro, ya sabemos que la idea del arte se esta popularizando, y todo lo que se populariza se vuelve en el fondo una forma populista de lo que empezó a ser, que no es cosa mala, solo un cambio que debía tener, porque el tiempo pasa.
Desde el primer momento en que la pieza que se mueve entre arte y vandalismo se institucionaliza o es nombrado por un profesional del arte como creador de arte la idea cambia, solo queda en una mera broma con finalidades varias. Podemos poner por ejemplo al autor Banksy, que pasó de realiza stencils por varias ciudades a colgar sus cuadros en la Tate sin que nadie se diera cuenta, una obra perfomática allá como las haya muchas desde el mundo del arte, una gamberrada antes de categorizarlo como “obra”. ¿Qué nos lleva a decidir que es y que no es falso como arte? ¿por qué hay gente que cree que soy un hijo de puta (vamos a decirlo en plata) y hay gente que cree que es una forma de documentar situaciones y generarlas tan viable como pintar un bodegón en el estudio de tu casa?.
Con eso legamos a la idea del falsificador, un falsificador de conceptos de arte claro.
El falsificador es una persona que ha de medir sus pasos, ocultándolos, para poder llevar a cabo su finalidad. Finalidades cuestionadas por la ética moral política o gubernamental , y después por otras esferas sociales. En el fondo, lo que nos parece mal de todo esto es la no ética del falsificador, o la mala ética del sujeto que nos engaña, nos sentimos directamente atacados, auque no es así. Él no nos engaña a nosotros directamente, sino que engaña para poder realizar su objetivo: conseguir billetes auténticos.
Por supuesto, la ética de este individuo es distinta de los que opinan que falsificar esta mal: es un criminal, un mentiroso, un estafador.
Pero ¿por qué consideramos un estafador un estafador? Eso significa que consideramos “cosas” verdaderas y falsas, cosas que son de verdad y cosas que son de mentira, todo remitiéndonos a la realidad o lo real como auténtico. Trazamos una idea de falso o estafa a partir de algo que no consideramos de verdad. En definitiva tenemos la idea de verdad y mentira, y todo politizado, para poder verificarlo.
La estafa es considerada un delito contra la propiedad del patrimonio, y puede desarrollarse de forma pasiva o activa, y hay una tabla de niveles de estafa, una mentira de un niño a su madre no es considerado una estafa, aunque su madre puede sentirse estafada, pero ya tenemos una moral bastante bien definida sobre cuestiones de afección y mentiras para no castigar al niño con una pena de cárcel.
Existen diversas producciones de carácter artístico que cuestionan la idea de autenticidad a partir de la idea de engaño o estafa, demostrándolo o sin demostrarlo. ¿Cuántas obras estarán colgadas en las salas de importantes Muesos para que podamos observar, teniendo la verdadera en restauración? A menudo lo ponen un la parte inferior derecha, pro a veces se nos pasa esa información, y creemos haber visto Monet verdadero.
Y aquí me remito a los famosos 0100101110101101.org (www.0100101110101101.org ), que es la producción más interesante que conozco en este ámbito después de The yes men (www.theyesmen.org).
Este tipo de grupos van más allá del entretenimiento radical. Estafan y engañan aunque desde unos límites que se van definiendo a lo largo del proyecto.
Con “Nike Ground” , el colectivo nos da unas pautas bastante claras sobre que quieren hacer: activar la población y desarrollarles un pensamiento crítico, o como mínimo una opinión sobre algo en concreto, que suceda algo desde el engaño o la alucinación colectiva, desde el marketing guerrillero para que pase otra cosa basada en esa estafa social. Aunque el grupo tuvo un juicio con Nike en el que salieron completamente limpios, las cuestiones planteadas sobre cruzar el límite del plantar un contenedor hig-tech en la Karlsplatz de Viena en nombre de Nike ha trazado otra línea sobre los límites de la posibilidad en el engaño o la estafa para producir una pieza o acción. La estafa solo es la metodología usada, y en eso se basa la obra: en esa metodología.
Pero existe un “problema”, o algo que consideramos como un impedimento para su ejecución. Me refiero a esa moralidad o ética que poseemos, institucionalizada a partir de las esferas políticas en forma de reglas, y claro, sabemos que todo esto es cultural. No obstante, no defendemos demasiado ese factor, solo nos remitimos a los hechos de que se a atacado a un individuo. También hay la protección del atacado: ¿qué derecho tienes tu sobre la otra persona?.
Aquí existen dos individuos: el estafado y el estafador, o el que realiza el engaño y el engañado, y una frontera que no debe cruzarse y que va trazándose dependiendo de la moralidad de cada cultura o de cada individuo.
Este tema me sorprende, y me inquieta. Se establece una hecho lineal mediante la acción que genera el estafador. Él estafa o hace creer y existe una reacción determinada por esa acción. Conceptualmente podemos llamarlo anuncio: se genera una idea a partir de una acción publicitaria que desarrolla comportamientos de compra. La simple teoría de acción-reacción.
Pero, ¿qué líneas existen entre el poder de hacer y la moral del no deber hacer?.
En el arte, esas líneas se han intentado desfragmentar en algunas ocasiones, desmontar, trazar nuevos perfiles o llegar al límite con alguien o algo, un deporte de riesgo en el que te propones definir tus metas, hasta donde puedes llegar, como en una pieza de Bodyart.
Y poniéndome como referencia por no querer nombrar ninguna obra tachándola de incívica (¡Dios me libre!, no vaya a ser que tengan colgada la obra d un vándalo), me remito al proyecto finalizado ¿Quieres ser mi príncipe?, en el que intento delimitar y estructurar un esquema sobre las demarcaciones entre la construcción homosexual partida desde lo heterosexual y la conciliación de la idea pareja desde una página de contactos de Barcelona, nació el proyecto “¿Quieres ser mi príncipe?” ( Barcelona 2006, www.quieressermiprincipe.com ).
Un proyecto que pretendo enmarcar dentro de una metodología muy precisa, y desdoblando la idea de investigaciones de tipo sociológico desde prácticas del artísticas. Podemos considerar este tipo de producciones post-artísticas o neo-mediales, ya que indagan en la naturaleza de la búsqueda con un formato artístico partiendo de estructuras muy primarias y humanas desde los new media. La parte mas “gamberra” (vamos a llamarlo así) del proyecto es que trabajaba con personas y sus sentimientos sin que ellos hubieran sido informados de ello, mediante un proceso de documentación les gravaba, les hacía fotografía y vídeos que no han salido a la luz, no por voluntad, sino porque el proyecto ha dado un giro tan crítico desde mi alrededor que debo mantenerlas en mi disco duro, como unas fotografías de la reina desnuda en un play boy que nunca deben ser descubiertas…
En todo este entramado milita el sistema moral de forma constante, aunque no esté bien definido, aun no comprendo cual es la diferencia entre aceptar la manipulación por parte de estructuras basadas en el entretenimiento como en las series de televisión y el intentar realizar un “experimento” para poder extraer conclusiones en el que trabajas con personas.
Con todo esto no pretendo posicionarme como manipulador o estafador, sino como alguien que recopila información a partir de un anuncio en una página de contactos gay. De hecho, al subir mi anuncio me expongo a varias cosas sobre mis imágenes y mi propia persona, ya que lo cuelgo en un espacio regido por una semi-anarquía. Pretendo realizar un hecho para desenterrar conclusiones que veo que pasan desapercibidas por parte de muchos investigadores sobre las comunidades gays. Uno de los pocos, recientemente fallecido, fue Paco Vidarte, con libros como “Ética marica”, pero ¿qué pasa con los círculos académicos?
Con todo esto quiero decir que la figura de estafador de la que hablaba antes es muy cuestionable, diría yo que demasiado como para poder señalar quien hace el mal, quien estafa a quien y a que niveles de estafa nos estamos refiriendo. Porque yo me escandalizo mucho mas ante otro tipo de intervenciones llamadas de múltiples formas (léase TV, pop comercial, anuncios, comportamiento social de integración o política), que alguien que intenta extraer conclusiones con una metodología entre el arte y la sociología. Claro que ese es otro problema, que ambas disciplinas funcionan de forma paralela, y si se unen alguna vez, no es para interaccionar entre sí, ni mucho menos para retroalimentarse.
Intentar trazar un límite entre la experimentación de la alucinación de unos individuos para poderles generar unos pensamientos concretos y sacarles información sobre sus concepciones sobre el amor, la pareja homosexual masculina, y los espacios de contactos virtuales, fue mi primera meta a conseguir, para poder redactar un libro sobre cibersociedades homosexuales y autoconstrucciones masculinas en Internet.
¿Dónde podemos encontrar la línea moral entre producción de carácter artístico o estafa? ¿Entre vandalismo y arte? ¿Se ocupan los profesionales catalogadores que señalan que es una buena producción y que no lo es? ¿Por qué debemos remitirnos a las lecturas de contexto cuando hablamos de arte? ¿Es que es acaso solo una representación retratista de algo que sucede en un espacio geográfico determinado?, y es mas, ya que el artista conoce su poder neomedial, ¿debe permitirse ese lujo de producir desde el arte sin ética y moral a diferencia de un antropólogo?…Esto me recuerda a que si un día un grupo de curators, de artistas, de directores de revistas vienen corriendo con antorchas para darme una paliza y quemarme en medio de la galería senda puedo ir corriendo al CCCB, allí me acogerán, me encontrare a Cirujeda, Adbusters…

Daniel Gasol
Barcelona 2008

Unas fotos de dudesnude

noreply@blogger.com (Daniel Gasol) — Mon, 24 Mar 2008 17:23:00 +0000

Autorepresentación con visualizaciones contruidas desde una valla publicitaria virtual (Work in progress)

Reflection

noreply@blogger.com (Daniel Gasol) — Mon, 24 Mar 2008 01:06:00 +0000

"no fué hasta noviembre que vi a mi hermano, impreso en las últimas páginas de una revista. La luz y la luna tenían el mísmo blanco ácido, y el árbol ya conocido se erguía como una llama de volframio. el reloj daba las ocho cuando dejaba la biblioteca de la fábrica. la bicicleta gruñía mientras bajaba por la calle iluminada, por las fábricas, entre los árboles, y allí estaba, de pronto, mi hermano, exactamente donde lo dejé ocho años atrás, pálido en medio del manto de hojas caídas y lluvia.

ocho años atrás las fábricas crecieron como árboles y mi hermano y yo encontramos el arroyo negro, serpenteando entre bosques como mercurio.

hermano? qué pena que no pudiste quedarte. nunca quise abandonarte así, en el bosque.

qué es lo que viste cuando recorriste solo el río? yo sé quien eres. fué escrito en los árboles y garabateado en las páginas de la revista. el número favorito de mi hermano siempre fue ocho, símetrico y limpio. siempre fuiste mi reflejo favorito."

definiciones

noreply@blogger.com (Daniel Gasol) — Sat, 22 Mar 2008 16:27:00 +0000

Cuando hablamos de vida gay nos referimos a esos parámetros citados recientemente, que hacen referencia al sexo, los gays y lesbianas han tenido que hacer una lectura política de sus prácticas afectivas. Y claro, releyendo este parágrafo parece que haga referencia a un ser pro-gay, a un super gay, o a un bat-gay, pero no es así. Estamos tratando una forma de ver el mundo, de una ontología, del que es, como es y como es posible, las concepciones de la realidad y sus características manifestadas a modo de subcultura.
El gay va a las saunas con total libertad, no existe un miedo por encontrarse a un amigo en ellas mientras folla con otros en una orgía, el gay se besa en los labios a modo afectivo, habla de pollas, de tamaños, de cómo lo han follado y de lo perra que esta por encontrar a un hombre de verdad. Se ríe del pop mientras lo escucha, se burla de su condición. El gay viste de D&G (una de las marcas que han buscado su mercado en este público, por ser el que mas consume), el gay vive una vida de carnaval voluntario, quiere estar radiante para salir a la pista de baile mientras no tiene miedo de bailar de forma afeminada, porque sabe que nadie va a burlarse de él: él se siente libre en esos espacios liberalizados, él forma parte de un colectivo.
Hablando de esto pasamos a tratar el tema del pensamiento relativista, que cuestiona el ser y da prioridad al estar. El ser es en función de su contexto. El gay es como es por haber sido rechazado, tanto en su forma de vida, como en su no forma de vida, y es gracias a eso que se ha desarrollado un espacio propio, y ha fundado su identidad en el no reconocimiento y en la libertad con otros. Sin ese rechazo la figura del gay actual ya seria lo que empieza a ser hoy. El hecho de institucionalizar la figura del homosexual ha servido para calmarlos y normalizarlos, no hay razón para luchar si no hay motivos por los que manifestarse.

extracto del libro "¿quieres ser mi príncipe?"
Daniel Gasol

oy oy oy...que fuerte...

noreply@blogger.com (Daniel Gasol) — Sat, 22 Mar 2008 13:46:00 +0000

De guerrarte

Para celebrar la victoria

noreply@blogger.com (Daniel Gasol) — Tue, 11 Mar 2008 00:59:00 +0000

Gracias por votar nuestras libertades, era o LGTB o PSOE, gracias a todos por dejarnos vivir, aunque ya sabeis: pues miradme tol coño

Las paradojas del arte contemporáneo

noreply@blogger.com (Daniel Gasol) — Sun, 02 Mar 2008 12:47:00 +0000

Originalmente en babelia

Un grupo de ocho destacados intelectuales, profesionales y artistas participó el pasado viernes 15 de febrero en la mesa redonda organizada por EL PAÍS en el VI Foro Internacional de Expertos en Arte Contemporáneo durante la feria madrileña Arco. El escritor y académico Antonio Muñoz Molina actuó como moderador planteando varios de los puntos de una discusión en la que tomaron parte los artistas Eduardo Arroyo, Jaume Plensa, Soledad Sevilla y Sergio Prego. Junto a ellos, el crítico de arte Francisco Calvo Serraller, la curator internacional Carmen Giménez y el director de La Casa Encendida, José Guirao.

La mesa fue planteada en torno a la relación entre el artista y el público. Es decir, cómo llega el artista al público y cómo el público también se educa en su apreciación del arte. Antonio Muñoz Molina quiso empezar enumerando unas cuantas paradojas descriptivas del arte contemporáneo, algunas de ellas universales, otras europeas y otras específicamente españolas, que lo definen. "La primera es que en arte la ruptura es la norma. Paradoja que plantea sus problemas, porque, para rebelarte contra algo, tienes que hacerlo contra un poder, que en este caso se ha disipado. Además la provocación requiere un establishment fuertemente establecido de gente dispuesta a sentirse provocada y escandalizada".

"La segunda paradoja es que en vez de que la explicación nazca a partir de la obra, en muchos casos es la obra la que nace de la explicación. E incluso la explicación llega a cobrar más importancia que la obra, y en muchas ocasiones hasta llega a sustituirla. En la Bienal de Venecia de 2003, el Pabellón de España consistía en que no se podía entrar al Pabellón de España, en el cual no había nada. Y la próxima Bienal de São Paulo es una bienal en la que sólo hay explicación, no hay obras".

"En tercer lugar, dado que la obra no habla por sí misma, sino que depende de la explicación, es muy importante quién da la explicación. Y aquí se produce también otra inversión, porque muchas veces la estrella no es el artista sino el explicador: el comisario, lo que llaman el curator", continuó Muñoz Molina. "La siguiente paradoja es que el museo es anterior al artista. Antes había una ecología del coleccionismo y del museo, que consistía en que había coleccionistas privados que compraban cuadros en las galerías, se arriesgaban; con el tiempo, esos coleccionistas legaban esas obras que habían comprado a los museos, ese tiempo había llevado a cabo un filtro, y el museo era el resultado final de ese proceso. Ahora, curiosamente, en muchos casos el artista existe porque existe el museo, porque, y hablo concretamente del caso de España, hay tantos museos de arte contemporáneo que es necesario llenarlos de artistas, de artistas que vayan acompañados de su explicación y de su correspondiente legitimación de esa explicación".

"Y el último punto que resume todo es que la vanguardia se ha convertido en el arte oficial. Ahora se puede ir al Prado y ver el arte oficial, de gran aparato, de finales del XIX. El arte de gran aparato de ahora, de principios del siglo XXI, es siempre un arte de provocación, de un formato que no admite al coleccionista o al privado y que satisface la ambición del político que ha creado el museo. La suya es la ambición de la juventud, la ambición de tener artistas jóvenes, de esa expresión que se usa tanto, que es apostar por: apostar por lo nuevo, apostar por la ruptura, apostar por la novedad. Pero si la novedad es la norma, ¿cómo puede haber novedad?".

"De todo esto, yo concluyo dos preguntas que voy a ir pasando a la mesa, y que son las siguientes: la primera, ¿cómo se forma el artista, cómo encuentra su voz y encuentra su propio camino? Y en segundo lugar, y me parece también muy importante, ¿cómo se forma el público, cómo se educa al espectador? Me parece que estas paradojas definen una parte de la situación del arte contemporáneo. Creo que en la tradición formativa del artista y del público había una cosa fundamental que era el museo, y como aquí tenemos a dos personas que han sido directores de importantes museos, Francisco Calvo Serraller y José Guirao -Calvo Serraller dirigió el Museo del Prado, y José Guirao, el Reina Sofía-, me atrevo a preguntarles a ellos si todavía el museo sirve para que se eduque el artista y para que se eduque el espectador, el público.

Francisco Calvo Serraller. Pienso que la introducción sintética que has hecho, que toca el corazón de los problemas que se viven hoy, también se aplica al museo. El museo que crea la Revolución Francesa, que había sido el molde de casi todos los museos, era unitario, histórico, e incluía también la actualidad. Se producen luego sucesivas crisis, sobre todo a finales del siglo XIX, en las que la actualidad, por rechazo social, exige que se creen unas plataformas o reservas para conservar ese rechazo social, público, del arte que se va produciendo como vanguardia. Paradójicamente con el tiempo, el asunto se ha transformado. Esa reserva que era temporal hasta que se produjera la aceptación social de aquellas manifestaciones que en principio resultaban insoportables por su novedad o su extrañeza, no sólo no han vuelto al redil histórico, sino que se han constituido como entes autónomos que quieren rechazar en su identidad la historia, es decir, no sólo la historia del pasado, sino la historia del siglo XX también; solamente quieren ser museos de la actualidad. Eso, evidentemente, refleja lo que has señalado: una sociedad completamente volcada en la idea de romper con la memoria, con el pasado, en función de un futuro vacío, pero que resulta cautivador. Tendríamos que explicar razones de carácter filosófico, antropológico, que no vamos a tocar, pero creo que hoy el museo está en una fuerte crisis en el sentido de que, cada vez más, los museos históricos del arte, incluido el siglo XX, aparecen como algo de relativo interés, y que lo interesante es no solamente la actualidad, sino lo que demande esa posibilidad de futuro. Y esa ruptura naturalmente produce una crisis esencial en lo que han sido parámetros que hemos conocido.

Antonio Muñoz Molina (AMM). Y sin embargo, cada vez hay más gente visitando los museos antiguos, tradicionales. Creo que la experiencia de José Guirao es interesante en el sentido de que está en la frontera de la gestión de un museo que ha trabajado con el pasado, y ahora está trabajando en una experiencia que es un lugar del presente. ¿Cómo lo ves?

José Guirao. Sí, pero la Casa Encendida no es un museo. Yo comparto con Calvo Serraller lo que ha dicho, pero también creo que ésa es la posición de la vanguardia o de un sector del mundo del arte. Cuando se trabaja en un museo, donde hay obras maravillosas como es el caso del Prado, o parte de la colección del Reina Sofía, realmente lo que importa es el público. La verdadera obra de arte, el encuentro entre el espectador y una obra de arte, es único e irrepetible entre ese individuo y esa obra. Creo que hay que trabajar para que el público tenga esa facilidad, que no haya metalenguajes o metadiscursos alrededor de la obra, porque la obra se defiende sola. Yo creo que las grandes obras se defienden solas. Efectivamente, hay un sector del arte contemporáneo que aboga por un presente sin memoria, pero yo sigo creyendo que, a pesar de que los museos estén en crisis, mientras haya obras y lugares donde verlas, mientras exista el Museo del Prado, el milagro se puede producir cada día y a cualquier hora. En ese sentido, mi experiencia es que el público sabe mucho más de lo que creemos que sabe, tiene más percepción, más intuición. Por lo tanto, pienso que crisis sí, pero que hay salvación, o redención para toda esa crisis.

AMM. Se me ocurre que dentro de estas líneas es interesante saber el modo en que el artista se educa, cómo se crea el propio trabajo, cómo uno crea su propio retrato imaginario de lo que quiere hacer, cómo lo hace. En otros tiempos, un artista lo hacía en la escuela, o lo hacía siguiendo a maestros. ¿Cómo lo hace ahora un artista, por ejemplo, como Sergio Prego?

Sergio Prego. En mi experiencia personal sobre todo ha sido en la relación con otros artistas. Hay diferentes formas, supongo que Jaume Plensa habrá tenido un contexto diferente. En el mío ha sido siempre en una relación y en un diálogo muy estrecho. Y en relación con las preguntas que planteabas antes sobre el público y la formación del artista, creo que para mí el público siempre son esas personas con las que yo dialogo. De alguna manera representan el público potencial que habrá ante mi obra. Para mí es la cuestión más importante a la hora de generar un trabajo.

AMM. Se me ocurre pensar en otro tipo de interacción o diálogo, el que Soledad Sevilla tiene en Granada. Una parte de tu trabajo ha sido un diálogo explícito con el pasado, con la historia. Por una parte, tu formación es la de una pintora absolutamente contemporánea, pero una parte de tu trabajo ha sido un diálogo con la tradición, y concretamente con la tradición de Velázquez y Las Meninas.

Soledad Sevilla. Yo creo que aquí ya hay una cuestión generacional. ¿Qué educación tienen los jóvenes ahora? La nuestra era más académica. Pienso en toda mi generación, o bien hemos hecho Bellas Artes o Arquitectura o Filosofía, pero siempre había un paso por la universidad. Eso influye en cierta medida, pero creo que lo básico para un artista y su formación es la vocación. Creo que a todos los artistas que estamos en activo lo que nos mantiene realmente y lo que nos ha formado es esa vocación. En mi caso, el encuentro con el pasado fue con motivo de una estancia en Estados Unidos, donde toda esa atmósfera me resultaba muy ajena. Recuperando mi pasado y mi historia pensaba en Las Meninas, el espacio del cuadro. Incluso allí también comencé la serie de la Alhambra, que es una fuente continua de inspiración. Pero ya digo, yo creo que hay una postura generacional que hay que tener en cuenta y que es importante, sabiendo que hay unas bases comunes a todos los artistas, y al arte en general. Pero sí, a mí me parece que sí, que el pasado me ha inspirado mucho.

AMM. Hay una cuestión que yo he mencionado al principio, y que me parece muy importante, que es el espacio de la libertad de juicio del espectador o del aficionado. El arte moderno empieza cuando, ya en el siglo XVIII, se forma una opinión soberana y singular y a la apreciación estética se aplica un término que viene de la fisiología: el taste, el gusto. Esa pregunta fundamental y básica que nos hacemos todos, "¿me gusta?", está muy interferida por otra que está detrás, y es: "¿Me tiene que gustar? ¿Y si digo que me gusta y me he equivocado? ¿Y si digo que no me gusta y resulta que estoy actuando en virtud de prejuicios culturales, de clase, de género, etcétera?". Una persona que ha ejercido el "me gusta" y "no me gusta" con más libertad, bastante, muchas veces, escandalosa, ha sido el pintor Eduardo Arroyo. ¿Queda todavía espacio para el espectador, el aficionado, el coleccionista, el que compra, lo mira y lo admira, porque le gusta, porque le da la gana?

Eduardo Arroyo. Primero voy a decir que me formé en París en 1958 y que estaba mucho más cerca de Modigliani que de Pollock, y que el primer cuadro de arte contemporáneo que yo vi fue cuando llegué a París ese año. Lo que a mí me interesa ahora es un problema que se está instalando de una manera muy curiosa. En España, por ejemplo, estábamos acostumbrados en épocas anteriores a la censura. Lo que se ha instalado verdaderamente en estos tiempos es la autocensura y el miedo. Esto es muy curioso, porque yo creo francamente que Arco va hacia una solución internacional, no sé si es bueno, a tratar de parecerse a Basilea, a Miami o a Shanghai, y de esta manera dejar poner un 20% de galerías españolas y un 80% de extranjeras. No sé que quiere decir esto de ser internacional, lo que sí sé es que estas ferias van llegando a ser de una uniformidad total, y los protagonistas de estas ferias paradójicamente son pintores sin rostro y sin firma, son Leviatanes, son Molochs, carne de cañón en realidad. Estos adolescentes producen una obra colectiva, que no se conoce; una obra de arte muy barata, porque el mercado se ha convertido en una obra barata y, sobre todo, muy decorativa. Bueno, hay una serie de provocaciones bastante naif, pero siempre es agradable que un joven sea provocador, a mí me parece perfecto.

He visto últimamente fotos de casas de coleccionistas y, curiosamente, los cuadros que están en las paredes cuestan menos dinero que los muebles de firma que están sobre la moqueta. Esto no es coleccionismo en absoluto, esto es pura decoración. Se va llegando poco a poco a echar de certámenes como Arco a galerías que, buenas o malas, eran gente que educaba, que tenía el deseo de educar al coleccionista, que no sabía, y le decían: mira este cuadro, y tal. Están terminando con ello totalmente. Expulsando de estos certámenes galerías tradicionales, sólo están consiguiendo que esto se convierta en un enorme aburrimiento. Lo que creo es que hay que producir la figura del desertor, y yo aconsejaría a las galerías que han expulsado y a otras que no les dejan entrar, que no vengan más. No vale la pena, pierden su identidad, pierden su libertad, están censuradas. Arco, Basilea, construyen absolutamente el miedo, la censura, y lo que ocurre es que además hacen que estos pobres desgraciados tengan miedo de mostrar un Valdés, un Eduardo Arroyo... Por eso voy a desertar totalmente, y estoy haciendo un trabajo muy serio con todas mis galerías para que deserten, hacerles comprender que es inútil venir a un sitio donde no te quieren. Ya está.

AMM. Hay un tema espinoso en Europa y España, y es la relación entre lo público y lo privado. Me gustaría que Carmen Giménez nos contara en qué medida una política oficial inteligente puede apoyar la difusión de un arte no siempre conocido y en qué medida sus esfuerzos se pueden perder.

Carmen Giménez. A mí me correspondió un papel un poco especial en España, puesto que en el año 1983 Javier Solana me nombró directora del Centro Nacional de Exposiciones y mi cometido era la promoción del arte español en el extranjero. En aquel momento ya existía la idea de sacar fuera el arte joven, dar una imagen de España de un país joven, de un país nuevo. Y el otro cometido era que España entrara en los circuitos del arte internacional. Lo primero fue en aquel momento un gran reto y no representó una complicación porque había gran interés. España se había abierto y todo el mundo se volcaba para prestar obras y para ayudarnos.

Pero lo que era difícil era hacer conocer el arte español en el extranjero. Yo traté realmente de hacer un esfuerzo y crear una realidad exterior-interior que en aquel momento culminó en Cinco siglos de arte español, en París en 1987, por la cual me atacaron mucho todos los artistas que no estuvieron presentes. Últimamente he participado en una comisión convocada por Cajamadrid que desarrolla un concurso anual de arte llamado Generación. Como han cumplido diez años nos pidieron seleccionar entre los ganadores una exposición que irá a Nueva York después de exhibirse en España. Lo que me extrañó es que el 90% de los artistas eran vascos. Me explicaron que en San Sebastián está ArteLeku, una escuela que da esa formación, así como en Valencia está el IVAM. Ni en Madrid, ni en Barcelona curiosamente, ni en otros lugares, la hay. Lo preocupante es que es una nueva generación que no quiere saber del pasado, o quieren sólo saber de un pasado que se llama Bruce Nauman, Jeff Koons o Damien Hirst, pero no de un pasado anterior. La educación es un problema muy grave en España.

Jaume Plensa. Yo creo que no estamos hablando de algo importante en el crecimiento de cada artista: el tiempo. La forma en que el museo ha intervenido en nuestra vida cotidiana ha creado una especie de sobresalto que muchos artistas jóvenes están digiriendo muy mal; quiero decir, no se están dando su tiempo natural de crecimiento. Yo creo que todo lo que está protegido es complejo. Un ser humano no está protegido; un inmigrante, cuando llega aquí, no tiene un Ministerio de Cultura que le de ropa. Yo creo que el arte es una selva, y en esta selva has de aprender a tomarte tu tiempo. Sería extraño pensar que Goya existiera si no hubiera pintado toda una serie de pinturas negras, y ya era un gran pintor, pero no era Goya. Pero lo pintó a los 60 años. Imagínate hoy qué artista esperamos a que tenga 60 años para saber si estaba en lo correcto.

Eduardo Arroyo. El artista hoy está completamente solo, hace la guerra por su cuenta, no quiere tener a nadie a su lado. Tiene una relación ambigua y difícil con su galería, ya que tampoco la galería le deja decir lo que quiere, porque la galería tiene mucho miedo de no venir a Arco. El artista se está convirtiendo en un hombre absolutamente domado, cosa grave. Lo que hay es una perversión, de la cual no hemos hablado, que es la perversión del mercado. Antes nos regíamos sólo por la oferta y la demanda, pero ahora hay otro mercado que es el institucional. Hay artistas que trabajan únicamente para el mercado institucional, porque no podrían, por la naturaleza propia de su obra, meterla en un apartamento en Vicálvaro. Ahora los museos encargan a los artistas. Lo que ha generado esto es una sovietización, así como suena, que es cada vez más grave. La gente quiere entrar en el museo y quiere trabajar para el museo. Hablan de los espacios, no hablan de las obras. Uno hace una obra, por lo menos era lo que yo creía, y no sabe nunca dónde va a terminar. Si te la vas a comer con patatas y se va a quedar en el estudio o si, por el contrario, la vas a vender, o si quizá, quizá hipotéticamente, un museo te la va a comprar. Pero quiero añadir que aquí el verdadero protagonista de lo que ha ocurrido en este país, en este desierto, han sido los medios de comunicación. Ellos nos han regalado todo lo que existe hoy, los museos, el arte. En España son páginas y páginas de todos los medios de comunicación hablando de arte, cosa que sorprende a todo el mundo. Muchas veces recorto una reproducción de alguien que no conozco en un periódico, voy a mi galería y les digo: oye, entérate de quién es éste, vete a verle, porque este tipo tiene interés. -

El concepto de Hombre-Mujer

noreply@blogger.com (Daniel Gasol) — Mon, 18 Feb 2008 14:56:00 +0000

No os perdaís el debate de la Noria en Tele 5 presetnado por Jordi González, emitido el 16/02/08, sorbre la operación de Amor (ex concursante de Gran Hermano).
Hombre, mujer, risasa, cinismos...bua...y de las audiencias mas altas el sábado....
Parte 1
http://www.youtube.com/watch?v=VHzIiv_wBOU
Parte 2
http://www.youtube.com/watch?v=8Q4VPtgwrng
Parte 3
http://www.youtube.com/watch?v=T7j12qAd-Pg
Parte 4
http://www.youtube.com/watch?v=vafehg6rOOM

Ultimamente...

noreply@blogger.com (Daniel Gasol) — Mon, 18 Feb 2008 14:33:00 +0000

Ultimamente veo algo bastante curioso. La nueva generación de adolescentes tienen unos paralelismos identificados por su clan, que podemos ver en sus "antifaces" externos (aunque todos tenemos antifaces...).
Pero parecia contradictorio unir el bakalismo con lo gay. Hasta ahora solo residia en el morbo de que 4 cholos te pillaran y te trataran como a una puta mientras te obligan a chuparles la polla (fíjemonos en el detalle feminidad=pasividad disfrutada aunque finjida bajo una máscara de sufrimiento y summisión. Masculinidad= poder, fuerza, varonil, yo tengo el miembro con el que gozarás).
Pero iendo por el Gayxample estos dias no paro de ver Bakalas de 16 a 18 años aproximadamente, mirando a otros tios, con su actitud masculinizada.
El sábado quise hablar con uno de ellos, y me dijo que tenia un "colega" que tenía un blog, una verdadera maravilla para analizar, para realizar una série de estudios y artículos sobre el comportamiento del bakala en la comunidad gay y sus comportamientos sexuales. Serán activos o serán pasivos ocultados bajo una mentira tipo: - ¿Yo pasivo? con el pollón que tengo como para ser pasivo,¿quieres que te lo demuestre?
Aquí os dejo el link, por cierto mirad los vídeos, no tienen desperdicio
http://www.chungoypelao.blogspot.com/

Línk vinculado www.bakala.org

A Paco Vidarte

noreply@blogger.com (Daniel Gasol) — Tue, 12 Feb 2008 14:49:00 +0000

A Paco Vidarte, una verdadera lástima perder un gran creador: aquí os dejo su web con algunos de sus textos, una gran fuente de inspiración para los que trabajamos la cultura de la construcción de la identidad homosexual.

www.pacovidarte.org

Los críticos somos unos envidiosos

noreply@blogger.com (Daniel Gasol) — Thu, 07 Feb 2008 17:40:00 +0000

Autorretrato casero
en www.fotolog.com/nooconvensee

Un domingo normal, de estos que te levantas, te tomas un café, te fumas un cigarro, lees un trozo del libro que te estas leyendo (“ La revolución del lenguaje” de David Cristal, por cierto os lo recomiendo si os interesa el cambio lingüístico con la inserción de las tecnologías en las sociedades contemporáneas). Te pones a navegar y acabas hablando con el chico que tienes en casa, dícese ser fotógrafo, y yo pienso: el que hace fotografías es fotógrafo, aunque puedas serlo mas bueno o mas malo…Empezamos a hablar sobre fotografía, el tema es levemente…¿estúpido? Me habla del encuadre y de mas… y me acaba pidiendo que escriba sobre él, porque sabe que me dedico a la crítica en mayor o menor medida. De repente dice algo interesante: “Los críticos sois unos envidiosos, es como si quisierais ser algo, como si el otro hubiera hecho algo que tu envidias y nunca lo pudiste hacer tu”.
Magnífica frase ¿verdad? Me parece terriblemente simple, pero en alguna medida cierta.
Debajo de la frase se oculta una o pataleta de un niño que juega a ser artista con una buena cámara, unas fotos mas cercanas a la publicidad de Zara que a una expresión consciente del quehacer del arte, pero no me interesa hablar sobre las tipologías fotográficas, empezar a repensar el gusto estético o que me preocupe el empirismo de la captación de un fotógrafo, eso os lo dejo a vosotros: www.myspace.com/araujoarts (esto de myspace es fantástico! Un book virtual con un interfaz hecho a tu medida, y lo mas importante, ¡puedes tener amigos como Byörk y presumir de ello! ¡wow!)
Llegados a este punto pienso en 3 temas, con nexos entre sí, y siendo conscientes de que uno no nos lleva al otro.
El primer tema podríamos llamarlo “el arte del populismo” o “Como nos llega la cultura que transformamos híbridandola entre los que queremos ser y lo que nos venden que seamos.”. Vamos a tratar sobre ello en este punto.
La estandarización de la cultura llevada a la masa o a la mayoría de la población (vamos a mencionarlo de dicha forma no sea que alguien crea que trato a la gente como un rebaño de ovejas…), da como resultado aspectos de lo que llamaríamos alta y baja cultura, que aunque me parece una forma bastante deslucida de jerarquizar el conocimiento ya que este se transforma constantemente, vamos a decir que existe el tipo de individuo que no solo acumula conocimiento sino que desarrolla otro y es crítico con este, y otro que accede a una información de la cultura en mayor o menor medida, se aprende algunas palabrejas y las usa en alguna conversación de carácter intelecutal
Aunque en muchas ocasiones la forma de ver las cosas es institucionalizándolas o mercantilizándolas para reconocer que está bien y que esta mal, me da a mi que en las esferas no institucionalizadas, y por tanto sin valor económico, se generan materiales, piezas, obras, llámalo como te salga de la profesión, con un gran interés de pensamiento, y no como el descubridor a lo Warhol con Baskiat en el que las medallas se las lleva el colonizador de un chico guapísimo, si no de genealogías que se fundan de forma autónoma a los canales y nuevas generaciones de artistas o creadores, que pueden morir en el intento o recuperarse en una magnífica exposición cuando el creador/a este al borde de la muerte.
Por otra parte la cultura en sí podemos definirla como un ente cambiante, que se genera a partir de las creencias y de las formas de vida de una sociedad determinada, no es algo sólido e inamovible, las cultura se crea, porque sin formación de ideas, conceptos ya sea sobre papel o sobre tela, la cultura sigue existiendo en muchas formas de enunciado humano.
La UNESCO definió cultura en la Declaración de México en el año 1982 de las siguiente forma:

...que la cultura da al hombre la capacidad de reflexionar sobre sí mismo. Es ella la que hace de nosotros seres específicamente humanos, racionales, críticos y éticamente comprometidos. A través de ella discernimos los valores y efectuamos opciones. A través de ella el hombre se expresa, toma conciencia de sí mismo, se reconoce como un proyecto inacabado, pone en cuestión sus propias realizaciones, busca incansablemente nuevas significaciones, y crea obras que lo trascienden.

(UNESCO, 1982: Declaración de México)

No obstante sigo pensando que la cultura popularmente se considera aquello que es conocido y reglado, y en alguna otra forma otros tipos de cultura empiezan a registrarse como últimamente esta pasando con el Street art y todas sus ramificaciones como el skate o el hip hop, no consideramos o no tenemos en cuenta otras creaciones (quizás porque no las conozcamos) que hasta que no se comercializan pasan desapercibidas, pero en eso esta el arte del populismo. Paradójicamente el arte del populismo o el populismo del arte consta en eso: en irse gestando en cierto modo alieno al círculo académico hasta que se da a conocer en otro tipos de forma. Parece que este tipo de trabajos o pensamientos sean como un embarazo: empiezan con un feto que no tiene ni nombre y acaban con un ser humano que hechiza por su propio encanto. Con esto quiero decir que en la etapa mediatizada en la que nos estamos moviendo, algunos tipos de cultura se dirigen resignadamente a aspectos estéticos facilones, agradables a la vista (me encantan esas figuras de Miss Van), al gusto (me encanta el sabor grotesco de una tortilla de patatas en una fiesta del CCCB), al tacto (me encanta este tejido para una chaqueta de Freaklüb, al olfato (me encanta como huelen los libros de fotografía nuevos) y al oído (como habla cualquier conferenciante de algún centro cívico).
Otro de los temas que veo detrás de este estado situacional entre arte conocido, desconocido, institucional, crítico, anticrítico, liberal, antisistema o como quiera que se especifique, es que la popularización del arte (y su llevada a cabo a través del populismo), en cierta medida viene dada por la facilitación de aparatos para poder configurar creaciones, particularmente imágenes estáticas o en movimiento. Pero estas máquinas que nombramos que son para captar imágenes, obviamente no captan retratos solas. Las imágenes que captan son proporcionadas por iconografías contemporáneas suministradas por la TV o por las vallas publicitarias.
Sobretodo en el público adolescente, vemos que los autorretratos que navegan por la red en espacios virtuales como el myspace o los fotologs, a menudo son copias de posturas, posiciones, poses, estados, situaciones muy adecuadas. Me explico. Viviendo en la era de la imagen (N. Mirzoeff “Introducción a la cultura visual”. Ed. Piados, Barcelona 2001) sabemos o conocemos muy bien cual es nuestro perfil bueno, nuestras presencias adecuadas, nuestros portes mas atractivos. Mezclando esa sabiduría popular, que casi se está convirtiendo en unas representaciones pictóricas de nuestra época, juntamente con la facilidad que tenemos para adquirir imágenes de nosotros mismos y de nuestro entorno, obtenemos un estado estético del fotógrafo o representador bastante cuidado y sofisticado del que pudiera llegar a tener. Sus lecciones están en los catálogos de ropa de cadenas Inditex, en los anuncios de Ck de las revistas, en la publicidad de Carolina Herrera. Esa es su escuela, y esa es su forma de auto representarse. Hemos mezclado del querer ser de la publicidad con el autorretrato casero logrado. Maravilloso, realmente fascinante.
Dado este conocimiento la alegoría al arte es casi directa.
Si conocemos los gustos estéticos dados por la moda importados por la masificación de imágenes, aprenderemos un curso acelerado de estética (en el que te regalaremos una guitarra), y podremos plasmar esa representación mediante aparatos o maquinas y distribuirlos por canales que tengamos a mano, como Internet. Así se crea arte, o así se crea algún tipo de arte popular que antes mencionaba. Por no hablar de que la cultura parece estar de moda, es como un grupo de señoras de la tercera edad pintando flores y bodegones y exponiéndolos en algún centro cívico.
No discuto la clasificación o categorización artística de los mismos, pero me da a mi que eso del arte por el arte…al fin y al cabo eso de que todos sabemos representar…¿a dónde nos llevará todo esto?. Después intentas hablar sobre el empirismo de la mirada (tema que veo esencial en el desarrollo del artista), y no saben que decir, ni uno mismo tampoco…
El tercer tema, como resultado de los dos puntos del problema mostrados anteriormente, es que el arte o las creaciones fuera del alcance expositivo o de divulgación mas conocido, pueden llegar a aportarnos un interés grato como pieza que no cabría desperdiciar. Existen muchas iniciativas de grupos de creadores que verdaderamente tienen algo que decir, y a menudo no lo dicen porque no se les escucha, o no se les escucha porque no dicen nada donde estamos acostumbrados a que la gente nos “hable” sobre arte, no obstante cabe reconocer que a veces lo que dicen es una basura, pero no pasa nada, no les romperemos su ego de artistas frustrados, es entonces cuando piensan en que forman parte del salón de los rechazados, y que su futuro triunfador en las clases de historia del arte esta por venir.
Pero fuera de esto cabe reconocer que los profesionales del arte estamos o están desarrollando una mirada hacia los mas corporativo. Heidegger ya nos lo anunció con su reestructuración del empirismo “toda interpretación, para producir comprensión, debe ya tener comprendido lo que va a interpretar”, o el resumen: existir es comprender.
Después de enfocar estos tres temas me viene un problema a la cabeza.
Si existe una popularización del arte, posteriormente nos da un resultado de populismo, dado por aparatos mecánicos fácilmente alcanzables y hay gente que hace cosas bonitas y esas cosas bonitas pueden ser banales o bellas y las bellas pueden llegar a acceder al mundo del arte institucionalizado aunque este debe aceptarte después de que el creador lo conoce….¿cuantas mentiras dice un crítico después de tenerle envidia al que crea o de no tener el valor de hacerlo?
- Señorita!
- ¿Qué?
- ¿Pero que es arte?
- Venga niño vete al patio a comer el bocadillo…

Barcelona 2008